Expopincel - María José Fraile: Texturas

Expopincel - María José Fraile

Natural de Irún (Guipúzcoa). Aficionada a la pintura que siempre busca tiempo para aprender.

Curiosa y autodidacta desde que con ocho años los Reyes Magos de Oriente le regalaron su primer maletín de pintura al óleo.

Estudia en la escuela de Arte y Decoración E.A.D. de San Sebastián y se gradúa en Artes Aplicadas especialidad Decoración en la Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos de Zaragoza.

-Participa en la exposición colectiva organizada por La Asociación de la Prensa de Málaga, en el IIº SALÓN DE DEBUTANTES (Año 2000)

-Así mismo, participa en la II EXPOSICIÓN COLECTIVA DE TALLER ON LINE en septiembre de 2008 en la Galería Espacio de Arte de Olías del Rey (Toledo).

-En junio y julio de 2010 expone diversas obras en TETERÍA MEDIA LUNA de San Pedro de Alcántara (Málaga) junto al fotógrafo Abel Noria.

-Expone en el I SALÓN DE INVIERNO, PINTURA & ESCULTURA "BENALMADENA CON ARTE 2011", organizado por la CONCEJALÍA DE CULTURA DEL AYUNTAMIENTO DE BENALMADENA Y LA ASOCIACION ESPAÑOLA DE PINTORES Y ESCULTORES.

-En Mayo y Junio 2011 expone en el MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO de CIFUENTES (Guadalajara), en la Exposición Colectiva de alumnos y profesores de la ESCUELA DE ARTE DE OLÍAS DEL REY (Toledo)

- 2012.- "MENCIÓN DE HONOR" en el II SALÓN DE INVIERNO, PINTURA & ESCULTURA, organizado por la CONCEJALÍA DE CULTURA DEL AYUNTAMIÉNTO DE BENALMÁDENA (MÁLAGA) Y LA ASOCIACIÓN ESPAÑOLA DE PINTORES Y ESCULTORES

-2012.- "MENCIÓN DE HONOR" en la XVI EXPOSICIÓN DE PRIMAVERA DE FUENGIROLA, organizado por la CONCEJALÍA DE CULTURA DEL AYUNTAMIÉNTO DE FUENGIROLA (MÁLAGA) Y LA ASOCIACIÓN ESPAÑOLA DE PINTORES Y ESCULTORES.

-2012.- Participa en la exposición colectiva "SOÑAR DESPIERTOS" en la Tenéncia de Alcaldía de TORRE DEL MAR (MÁLAGA)

"SIEMPRE ESTARÉ MUY AGRADECIDA A QUIENES ME APOYAN PARA CONSEGUIR QUE MIS SUEÑOS SE HAGAN REALIDAD".María José

PRINCIPIOS PARA APRENDICES DE PINTURA por ENRIQUE DONOSO, mi Maestro.

PRINCIPIOS PARA APRENDICES DE PINTURA

No me declaro un maestro, ni pretendo sentenciar la verdad última sobre el asunto. Únicamente quisiera expresar algunos principios, muchas veces conocidos pero soslayados, que pueden ayudar enormemente a la mejora del aprendiz de pintor. No me refiero a vagos conceptos, a ideas nebulosas sobre lo que significa el arte, o a extraordinarios desarrollos técnicos, sino a principios sencillos, directos, de efecto práctico inmediato en el desarrollo de la técnica pictórica. Pequeñas verdades cuya comprensión y práctica, pueden comprender en suma la diferencia entre una obra aceptable y otra extraordinaria.Me ocupo únicamente de principios prácticos de pintura clásica. Cualquier nota, comentario o ampliación es bienvenido, y espero que abunden.

Principio 1: Sobre el talento innato El aspecto técnico de la pintura es una ciencia, y como tal puede ser aprendida y dominada. Algunos sujetos destacarán sobre otros, ya que no todos hacemos de igual modo la misma cosa. Pero la ciencia del dibujo, el tono y el color puede ser dominada por todo individuo con habilidad suficiente para enhebrar una aguja. El mito del "genio nacido" enmascara habitualmente largos años de disciplina y constancia. La convicción popular del "jamás pintaré así" es una poderosa ilusión que se destruye con constancia y aplicación.

Principio 2: Sobre el fetichismo de los materiales Una obra excelente puede desarrollarse con materiales de calidad inferior. El aprendiz solamente podrá extraer todo el provecho de materiales superiores si su pericia crece conforme agota las posibilidades de los materiales más sencillos. Delegar la responsabilidad en médiums, soportes, pinceles o materiales exóticos únicamente aparta al principiante de su deber principal: dominar el dibujo, el tono y el color; en suma, aprender a ver y a reproducir con pintura lo que pretende. El aura de prestigio que rodea a algunos materiales son normalmente fruto de la mercadotecnia; cuando existen ventajas reales son demasiado específicas para que el neófito las aprecie. Esto no refuta el innegable valor y ventaja que otorga un conocimiento preciso de los materiales disponibles, pero esto se hallará con la práctica.

Principio 3: Sobre la autoindulgencia El aprendiz debe ser crítico con su propio trabajo. Hallándose en pleno proceso de aprendizaje, las obras primeras nunca deberían colmar las expectativas de un neófito verdaderamente autocrítico. Un aprendiz satisfecho e indulgente con sus creaciones difícilmente progresará, al complacerse en méritos menores y obviando los graves errores formales y materiales de su obra prima. El signo inequívoco del progreso es el descontento o malestar con la ejecución de la obra, que se percibirá cuajada de imperfecciones. Este fenómeno es llamado "la maldición del artista", y su fatalidad es una deseable compañera. Cuando el artista considere que su obra es perfecta o se recree complacientemente en ella, será incapaz de crecer.

Principio 4: Sobre la completud de la obra Una obra solamente se completa cuando expresa o muestra exactamente lo que su artífice pretendía. Delegar parte del proceso creativo en "errores felices" o en la simple negligencia de no consagrar el tiempo necesario al estudio y maestría de lo que se pretendía representar, constituye uno de los mas formidables obstáculos del aprendiz de pintor. La obra únicamente se completa cuando la expresión se corresponde con la visión, interior o exterior, del artista. El conformismo y las desviaciones que son fruto de la inmadurez técnica son causa segura de estancamiento. El aprendiz no debe aceptar la completud de la obra hasta que esta, o algunos aspectos de esta, reproduzcan al menos el efecto general buscado. Hay que hacer y rehacer tanto como sea necesario. Al principio el aprendiz debe producir muy pocas obras, la producción crece con la práctica y la asimilación de los principios. Consagrar un año a la fidelidad de una obra, es mejor que realizar doce obras imperfectas. Es esencial hacer honor a la diferencia entre un año de experiencia, y un mes de experiencia repetido doce veces.

Principio 5: Sobre la dependencia fotográfica La responsabilidad de la representación natural de los sujetos no debe transferirse a la fotografía. Las imágenes fotográficas no reproducen la forma en que los ojos y el cerebro captan e interpretan la realidad. Fenómenos indeseables como la compresión del rango tonal, el viramiento de los colores, o la ausencia de estereoscopía, condenan a la referencia fotográfica a ser un mero auxiliar cuando sea estrictamente necesario, pero no debe sustituir la experiencia directa de la pintura del natural. El aprendiz obtendrá grandes recompensas si aprende a componer su paleta, discriminar los tonos, dibujar y encajar del natural. La actividad constante de la mirada modifica la realidad pictórica del detalle que enfoca, en tanto que la fotografía posee un único punto focal, que no representa nuestro modo de ver las cosas. Es mejor reservar la referencia fotográfica hasta que se conozca lo bastante como para poder usarla sin perjuicio de desnaturalizar la obra, completando así con la experiencia directa las característica perceptuales de las que la fotografía carece.

Principio 6: Sobre la copia servil El pecado capital del aprendiz es trazar, calcar o copiar mecánicamente los sujetos de su tema. Ese vicio funesto no solamente arruina la capacidad real para el dibujo que haya podido atesorarse hasta el presente, sino que disipa la calidez, la expresividad, y la proyección ideal de las formas que son rúbrica de toda obra de arte. El abuso de artefactos tales como proyectores, cámaras oscuras o papeles de transferencia pueden ayudar al experto que desea abreviar la ejecución de una obra compleja, pero son veneno para los talentos incipientes del neófito. Una obra tal revela inmediatamente su condición ante el ojo experimentado, y reduce el rango de artista al de artesano. El dibujo no comprende solamente la línea, sino el volumen, la perspectiva, la estructura, y ante todo, el equilibrio entre los principios de observación y los principios del alma humana.

Principio 7: Sobre la sinceridad en el arte, el principio de compensación El principiante no debe ufanarse de enriquecer a los significados de su arte con significados, teorías o discursos a posteriori, en un intento de compensar la pobreza temática o conceptual de su obra. El significado y alcance real de la obra de arte ha de estar presente desde el principio de la ejecución, a esto debe dedicar su empeño el aprendiz, y en esto radica la esencia del arte. Compensar la impotencia conceptual o la ausencia de discurso real con extensas elaboraciones racionales a posteriori o con ampulosos títulos enmascara la ausencia de sinceridad en el arte. El significado real de la obra, sea sencillo y agradable como "el dulzor de las cerezas" o de gran sobriedad intelectual como "el lugar del hombre en el universo creado" debe ser inherente a su plasmación técnica, y no un postizo de compensación. Pues la pintura, como decía Da Vinci, es poesía muda, y si el amante de este arte es sincero y fiel en el amor a sus visiones, entonces estas, seas cuales sean, serán hermosas y perdurables.

Poema AL COLOR de RAFAEL ALBERTI

Al color

A ti, sonoro, puro, quieto, blando,

incalculable al mar de la paleta,

por quien la neta luz, la sombra neta

en su trasmutación pasan soñando.

A ti, por quien la vida combinando

color y color busca ser concreta;

metamorfosis de la forma, meta

del paisaje tranquilo o caminando.

A ti, armónica lengua, cielo abierto,

descompasado dios, orden, concierto,

raudo relieve, lisa investidura.

Los posibles en ti nunca se acaban.

Las materias sin términos te alaban.

A ti, gloria y pasión de la Pintura.

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